Марк Розовский приглашает Израиль на «Свадьбу»

Фото: Театр У Никитских Ворот. Предоставлено компанией Rest International.

В январе 2027 года Театр «У Никитских ворот» впервые привезёт в Израиль музыкальную сатирическую комедию по Михаилу Зощенко

"— А пес вас разберет! Насажали разных баб, а мне разбирайся." ~ Зощенко

Марк Розовский возвращается в Израиль. На этот раз со «Свадьбой» — одним из самых ярких и зрительских спектаклей Театра «У Никитских ворот». В январе 2027 года постановка впервые будет показана израильской публике, которая, судя по всему, приглашена не просто в театр, а непосредственно за свадебный стол.

В основе спектакля — зощенковское «Свадебное происшествие». Жених является на собственную свадьбу и внезапно понимает, что не может узнать невесту. До этого он видел её только в пальто, а без верхней одежды девушка, как выясняется, выглядит несколько иначе. Для начала семейной жизни решение довольно смелое: доверия ещё нет, зато родственники уже собрались.

Дальше всё развивается с той безупречной логикой абсурда, которую Зощенко умел описывать лучше многих. Гости вмешиваются, родители спорят, приличия быстро заканчиваются, а торжество превращается в парад человеческой глупости, мелких амбиций, бытового хамства и вечного стремления выглядеть приличнее, чем ты есть на самом деле.

Розовский не относится к классике как к фарфоровому сервизу, который следует поставить в шкаф и время от времени почтительно протирать от пыли. Его Зощенко двигается, поёт, танцует, спорит и ведёт себя значительно свободнее, чем обычно позволено литературным памятникам.

«Свадьба» существует на территории музыкального театра, кабаре и гротеска. Диалоги превращаются в самостоятельные сценические номера, песни продолжают сюжет, а персонажи будто соревнуются, кто быстрее доведёт происходящее до окончательного и уже совершенно необратимого абсурда.

Музыка здесь не служит декоративным фоном. На сцене звучат фортепиано, гитара и кларнет, музыканты находятся внутри действия, а актёры поют и танцуют без фонограммы. В современном театре это уже почти отдельная форма роскоши.

В постановку вошли известные шлягеры 1920–1930-х годов: «У самовара я и моя Маша», «Лимончики», «Всё, что было», «Свидание», романс «Нет, не любил он» и другие песни эпохи. Каждая из них не просто создаёт нужное настроение, а раскрывает характеры и меняет интонацию сцены.

Под «Лимончики» бытовой абсурд достигает почти эстетического совершенства. В романсе «Нет, не любил он» комичная героиня неожиданно обнаруживает куда более глубокую и уязвимую сторону. Зощенко вообще умел сначала рассмешить читателя, а затем деликатно напомнить, что смеяться приходится над людьми, подозрительно похожими на нас самих.

Спектакль довольно быстро покидает безопасные пределы сцены. Артисты спускаются в зал, обращаются к зрителям и постепенно втягивают их в происходящее. Публика начинает хлопать в ритм, подпевать и притопывать. Театральная сдержанность держится недолго, но на свадьбе она вообще выглядит несколько подозрительно.

Главное достоинство постановки — сильный актёрский ансамбль. Жениха играет Вячеслав Пронин, его приятеля — Илья Собакин. Их дуэт построен на точной комедийной игре, пластике и почти цирковой энергии. Собакин поёт, танцует, жонглирует, играет на гармони и производит впечатление артиста, решившего за один вечер продемонстрировать весь профессиональный арсенал. 

Татьяна Кузнецова и Маргарита Рассказова играют дочь и мать, Владимир Давиденко — отца, Роберт Захарян — гостя, Александра Клюшина — его жену Лизу. Проходных персонажей здесь нет. Каждый получает собственный ритм, характер и право добавить в общий свадебный хаос ещё немного личного безумия.

В постановке слышна тёплая одесская интонация с лёгкой еврейской приправой. Вряд ли именно это имел в виду Зощенко, но Розовский добавил тексту собственный вкус. Получился сценический форшмак: острый, музыкальный, немного нахальный, местами избыточный и совершенно не рассчитанный на диетическое потребление искусства.

В январе 2027 года «Свадьба» Марка Розовского впервые будет показана в Израиле. Час сорок живой музыки, зощенковской сатиры, сильной актёрской игры и профессионально организованного свадебного беспорядка.

Мы приглашаем вас на «Свадьбу». Приходите вовремя и не забудьте крикнуть: «Горько!» Разумеется, в самый подходящий момент.

Автор: Михаил Зощенко

Режиссёр и автор сценографии: Марк Розовский

Театр: «У Никитских ворот»

Продолжительность: 1 час 40 минут

Гастроли в Израиле: январь 2027 года

Билеты

Читайте также:

• Последние новости Беэр-Шевы
• Выплаты Битуах Леуми
• Погода в Израиле
• Полезная информация

Телеграм-канал: https://t.me/+\_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/HxVK0mhNyfg4CeEiwypGDJ

Лия Ахеджакова сыграет в Израиле одну из своих самых любимых ролей

Фото: Ефим Спектор. Предоставлено пиар-агентством Sofia Nimelstein PR & Consulting

Есть роли, которые словно были написаны для конкретного актера. Именно такой стала Эсфирь – героиня пьесы Людмилы Улицкой «Мой внук Вениамин». Писательница не раз признавалась, что, создавая этот образ, представляла себе именно Лию Ахеджакову. И спустя годы эта мечта осуществилась: народная артистка России сыграла Эсфирь на сцене, превратив спектакль в одну из самых ярких театральных работ последних лет.

В январе 2027 года израильские зрители вновь смогут увидеть эту постановку. Спектакль пройдет в Беэр-Шеве, Ришон ле-Ционе, Ашдоде и Хайфе.

«Мой внук Вениамин» – смешная и одновременно очень трогательная история о семье, любви и вечном противостоянии поколений. Главная героиня, Эсфирь – «последняя местечковая еврейка», которая живет воспоминаниями о прошлом и свято хранит традиции своего детства. Привыкшая принимать решения за всех, она твердо намерена устроить судьбу единственного сына и отправляется в родной Бобруйск, чтобы привезти ему невесту из «правильной» еврейской семьи. Кажется, идеальный план наконец начинает осуществляться. Но жизнь, как это часто бывает, оказывается куда сложнее любых самых продуманных сценариев.

Под легкой комедийной оболочкой скрывается глубокий разговор о семье, памяти, преемственности поколений и той огромной силе, которой обладает материнская любовь. Любовь, способная не только защищать и согревать, но порой становиться всепоглощающей, пытаясь решить за близких их собственную судьбу.

Хотя пьеса была написана Людмилой Улицкой еще в конце 1980-х годов, сегодня она звучит не менее современно. Вопросы взаимоотношений родителей и детей, семейных традиций, национальной идентичности и права каждого человека самостоятельно выбирать свою жизнь остаются такими же важными и понятными зрителю.

Особую атмосферу спектаклю создает постановка Марфы Горвиц. Домашние, уютные декорации, тонкий юмор, музыка, психологически точные детали и удивительно живые персонажи рождают ощущение, будто зритель оказался в гостях у хорошо знакомой семьи, где смешное и грустное существуют рядом, а за внешней суетой скрываются настоящие чувства.

Конечно, главным событием спектакля остается встреча с Лией Ахеджаковой. В роли Эсфири она соединяет, казалось бы, несовместимое: властность и беззащитность, упрямство и нежность, комизм и глубокий драматизм. Ее героиня умеет быть смешной и трогательной одновременно, вызывая у зрителей то улыбку, то искреннее сопереживание.

«Мой внук Вениамин» – спектакль, проверенный зрителем и временем. Его премьера состоялась в июле 2015 года. С тех пор спектакль дважды побывал на гастролях в США и Канаде, был тепло встречен зрителями в Израиле, странах Балтии и Белоруссии.

В сентябре 2017 года «Мой внук Вениамин» получил 4 приза на фестивале «Амурская осень» (за режиссуру, лучшую главную женскую роль и роль второго плана и спецприз жюри).

Критики тоже оценили спектакль очень высоко. «Афиша Daily» назвала его «томной, но веселой историей про непростые взаимоотношения матери и сына». Издание «Ваш досуг» отметило, что спектакль стал редким примером антрепризной постановки, которая действительно оказалась художественной удачей. А «Новые известия» писали, что режиссер Марфа Горвиц сумела пройти тонкую грань между юмором и драмой, избежав и пафоса, и сентиментальности.

«Мой внук Вениамин» – это спектакль, который заставляет смеяться, сопереживать и узнавать в героях себя и своих близких. А блестящая игра Лии Ахеджаковой превращает эту историю в настоящий театральный праздник.

Гастроли спектакля «Мой внук Вениамин» в Израиле:

24 января 2027 – Беэр-Шева, Центр сценических искусств, 20.00

25 января 2027– Ришон ле-Цион, Гехаль Меир ле-Тарбут, 20.00

28 января 2027 – Ашдод, Центр сценических искусств, 20.00

30 января 2027 –Кирьят-Хаим, Театрон а-Цафон, 20.00

Билеты 

Организатор гастролей: Алон Юрик , фирма AY Productions

Читайте также:

• Последние новости Беэр-Шевы
• Выплаты Битуах Леуми
• Погода в Израиле
• Полезная информация

Телеграм-канал: https://t.me/+\_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/HxVK0mhNyfg4CeEiwypGDJ

«Наше сокровище» Жени Беркович впервые покажут в Израиле

Фото: Екатерина Монева (предоставлено компанией Rest International)

“Мы не проснёмся с наступленьем тьмы, 

Мы всё, — спасибо всем, кто в этом зале, —

Нас на ковчеге не было, ведь мы

Непарные друг другу, нас не взяли,” - Женя Беркович

Последняя постановка режиссёра перед арестом обращается к евангельскому сюжету на языке частной жизни — с точным юмором, бытовой интонацией и вниманием к безусловной ценности человека

В ноябре 2026 года театр «Дочери СОСО» привезёт в Израиль спектакль Жени Беркович «Наше сокровище». Гастроли, запланированные ранее и перенесённые из-за войны, впервые пройдут на израильских сценах.

«Наше сокровище» было поставлено в 2022 году и стало последней режиссёрской работой Беркович перед её арестом в мае 2023-го. Премьера состоялась 24 декабря — в день, точно соответствующий природе спектакля, выстроенного как рождественская притча. В ней появляются ангелы, говорящие животные, волхвы, матери и вифлеемские стражи порядка. Знакомый сюжет обретает лексику современной повседневности, где чудесное соседствует с домашними хлопотами, служебными обязанностями и человеческой растерянностью.

Беркович выбирает для евангельской истории интонацию, свободную от торжественной дистанции. Осёл и вол заняты практическими вопросами, ангелы осваивают обязанности посредников между небом и людьми, а дары волхвов напоминают набор вещей, необходимых молодой семье после рождения ребёнка. Сакральный сюжет входит в бытовую реальность и возвращает себе физическую конкретность: ребёнок нуждается в заботе, родители — в помощи, а чудо совершается среди тех, кто поглощён собственными делами и не сразу понимает значение происходящего.

Подобный взгляд определяет режиссёрский язык Беркович. В центре её театра находится человек, оказавшийся внутри событий, масштаб которых превосходит его возможности. Историческая, религиозная или политическая конструкция рассматривается с близкого расстояния — через речь, жест, страх, смешную оговорку, попытку приспособиться, не утратив достоинства. В «Нашем сокровище» этот метод приобретает особую ясность. Великая история складывается из присутствия тех, кому традиционное повествование обычно отводит место на краю.

Юмор спектакля основан на точности наблюдения. Персонажи говорят и действуют в согласии со своей природой, профессией, темпераментом и ограниченным пониманием ситуации. Комизм рождается из расстояния между масштабом события и человеческой способностью его распознать. Беркович удерживает эту перспективу с редкой дисциплиной, не позволяя притче превратиться в иллюстрацию, а смыслу — в готовый вывод.

Название спектакля определяет его внутреннюю логику. Сокровищем становится человеческая жизнь до того, как общество успело назначить ей цену, функцию или историческое значение. Рождение ребёнка воспринимается как ценность, не нуждающаяся в дополнительном обосновании. Эта мысль раскрывается через отношения между персонажами, через их способность заметить другого человека и принять за него ответственность.

Сценический мир постановки создан художницей Женей Ржезниковой, художницей по свету Еленой Перельман и композитором Ольгой Шайдуллиной. За звук отвечает Михаил Ендза, дизайн разработала Ляля Буланова. Оформление поддерживает свободное движение между древней историей и современной речью, между притчей, комедией и живым актёрским присутствием.

В спектакле заняты: Мариэтта Цигаль-Полищук, Светлана Сперанская, Наташа Горбас, Ирина Сова и Николай Матвеев.

Мариэтта Цигаль-Полищук известна широкой аудитории по главной роли в сериале «Раневская». Её театральная биография включает работу в театрах «У Никитских ворот», «Модерн» и на Малой Бронной, а также сотрудничество с Максимом Диденко, Владимиром Мирзоевым, Ниной Чусовой, Егором Дружининым и другими режиссёрами. В «Нашем сокровище» её актёрская индивидуальность раскрывается внутри ансамбля, где особенно важны точность реакции, чувство ритма и способность слышать партнёра.

Светлана Сперанская окончила актёрский факультет ГИТИСа и Академическое музыкальное училище при Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского. В театре «Дочери СОСО» она работает как актриса и педагог по вокалу.

Наташа Горбас — выпускница Школы-студии МХАТ и актриса Театра Ермоловой. Как режиссёр она поставила спектакль «Слепые» по пьесе Мориса Метерлинка.

Ирина Сова работает в театре и кино, участвует в проектах Камерного театра и пространства «Внутри».

Николай Матвеев, муж Жени Беркович, не имеет профессионального актёрского образования. Матвеев существует внутри общей структуры постановки и работает наравне с профессиональными актёрами. После ареста режиссёра он последовательно выступал в её поддержку и в поддержку других фигурантов «театрального дела». 

Израильские гастроли труппа посвящает Жене Беркович и драматургу Светлане Петрийчук. В июле 2024 года Второй Западный окружной военный суд в Москве приговорил обеих к шести годам лишения свободы по обвинению в публичном оправдании терроризма. Основанием для уголовного дела стала видеозапись читки спектакля «Финист Ясный Сокол», поставленного Беркович по документальной пьесе Петрийчук.

«Наше сокровище» к этому обвинению отношения не имеет. Это последняя постановка Беркович перед арестом, обладающая собственной художественной историей, темой и сценическим языком. Вместе с тем спектакль «Наше сокровище» запрещён к показу на всей территории России.

Запрет меняет географию постановки, но не способен отменить её существование. За пределами России спектакль продолжает жить силами театра «Дочери СОСО», сохраняя авторскую режиссуру, состав исполнителей и художественную структуру. Сцена в данном случае становится пространством, где голос, который пытаются изъять из публичной жизни, продолжает звучать — в тексте, в актёрской интонации, в ритме, в памяти зрителя.

Театр не возвращает человеку свободу физически и не отменяет вынесенного приговора. Он делает другое: не позволяет молчанию стать окончательным. Когда автор лишён возможности присутствовать рядом со своей работой, эту работу продолжают актёры. Они сохраняют не образ отсутствующего режиссёра, а её способ видеть, слышать и говорить. Сам факт показа приобретает здесь предельно ясный смысл. Запрещённый голос не исчезает, пока существует форма, способная его удержать.

Театр «Дочери СОСО» Женя Беркович основала в 2018 году. Среди его постановок — «Считалка» по книге грузинской писательницы Тамты Мелашвили, «Финист Ясный Сокол», «Рисовый пёс» и «Наше сокровище». Репертуар театра последовательно обращается к частному человеку, оказавшемуся внутри войны, идеологического давления, социальной катастрофы или общепринятого повествования, в котором для его голоса заранее отведено слишком мало места.

«Наше сокровище» продолжает этот разговор в одной из самых мягких по форме постановок театра. Её мягкость опирается на строгую режиссёрскую конструкцию. Простота сюжета требует точной меры: сентиментальность могла бы превратить его в назидательную историю, избыточная ирония — разрушить доверие к героям. Спектакль сохраняет равновесие благодаря языку, ансамблевой игре и ясному пониманию масштаба. Речь идёт о рождении одного ребёнка и о способности окружающих увидеть в этом событии безусловную ценность.

Израильский тур возвращает спектакль к его естественной форме существования — встрече со зрителем. Обстоятельства последних лет неизбежно влияют на восприятие постановки, однако её содержание по-прежнему сосредоточено на человеческой жизни, замеченной в момент её появления и ещё не превращённой в биографию, статистику или политический аргумент.

У сцены остаётся редкое и важное свойство: она сохраняет человеческий голос даже тогда, когда ему пытаются отказать в праве быть услышанным. Пока спектакль идёт, этот голос не принадлежит прошлому. Он находится в настоящем времени — перед зрителем, в живой речи, которую невозможно изъять из зала административным решением.

Ключевые участники проекта:

Автор и режиссёр: Женя Беркович

Композитор: Ольга Шайдуллина

Художница: Женя Ржезникова

Художница по свету: Елена Перельман

Звук: Михаил Ендза

Дизайн: Ляля Буланова

Продюсер постановки: Александр Андриевич

В ролях:

Мариэтта Цигаль-Полищук

Светлана Сперанская

Наташа Горбас

Ирина Сова

Николай Матвеев

Продолжительность: 1 час 30 минут

Организатор гастролей в Израиле: Rest International

Билеты:

https://1699.kassa.co.il/announce/zhenya_berkovich

Читайте также:

• Последние новости Беэр-Шевы
• Выплаты Битуах Леуми
• Погода в Израиле
• Полезная информация

Телеграм-канал: https://t.me/+\_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

«Моня Цацкес — Знаменосец»: культовая проза Эфраима Севелы выходит на израильскую сцену

Фото: Лана Павлова ( предоставлено компанией Smith Media)

«О чем думает солдат на посту? В первую очередь о еде. И во вторую очередь о ней же.
Моня Цацкес не был исключением. Он даже и в третью очередь думал тоже о еде».

Эфраим Севела

Этой осенью в Израиле впервые представят спектакль московского Еврейского Театра «Шалом» «Моня Цацкес — Знаменосец» по повести Эфраима Севелы. Гастроли пройдут с 16 по 24 октября и станут одной из заметных театральных премьер русскоязычного культурного сезона.

В Израиль приезжает московский Еврейский Театр «Шалом» с одной из ключевых постановок своего нового репертуара. «Моня Цацкес — Знаменосец» уже несколько сезонов собирает полные залы, Номинант театральной премии «Золотая маска» и стал спектаклем, в котором разговор о войне, еврейской памяти и человеческом достоинстве звучит без музейной тяжести и театрального пафоса.

В основе постановки повесть Эфраима Севелы, одного из самых узнаваемых еврейских авторов русскоязычной литературы. Его проза держится на редком сочетании боли, иронии, внутренней свободы и жизнелюбия. Севела писал о катастрофе не языком памятника, а языком живого человека, который боится, любит, шутит, теряет и всё равно продолжает держаться.

Главный герой, Моня Цацкес, еврей из литовского Поневежа, попадает в Красную армию. Всё, что происходит с ним, трагично, но звучит почти как анекдот. Война разрушает привычный порядок мира, страх становится частью повседневности, а человек всё равно сохраняет доброту, находчивость, чувство юмора и способность не предать самого себя.

Режиссёр спектакля, художественный руководитель театра «Шалом» Олег Липовецкий, видит в повести Севелы материал, точно совпадающий с миссией современного еврейского театра. «Мы, прежде всего, разговариваем со зрителями о том, как оставаться собой в любые времена, в любой ситуации, о самоидентификации в сегодняшнем мире», говорит Липовецкий.

Эта мысль определяет внутренний нерв постановки. «Моня Цацкес — Знаменосец» не превращает военную историю в героическую открытку и не делает из еврейской судьбы архивный экспонат. Спектакль соединяет горькую печаль и светлый юмор, фронтовую хронику и еврейский анекдот, личную судьбу и память народа.

Липовецкий формулирует принцип спектакля предельно точно: «Смех уничтожает страх. Когда не хочется бояться, нужно смеяться над своими страхами». В этой фразе заключена не эффектная театральная метафора, а смысловая основа постановки. Смех здесь не смягчает трагедию и не делает её удобной для зрителя. Он становится способом сопротивления, последней внутренней территорией свободы, которую человек способен удержать даже в обстоятельствах, лишающих его почти всего.

Для сценического воплощения текста о Второй мировой войне создатели выбрали форму площадного театра. Зрительный зал здесь перестаёт быть зоной пассивного наблюдения. Артисты работают не перед зрителем, а вместе с ним: обращаются напрямую, смотрят в глаза, ищут поддержки и превращают зал в живого участника действия.

«Площадной театр, это когда у тебя есть партнёры на сцене, а зрительный зал тоже твой партнёр. Нет четвёртой стены, ты должен общаться с залом, постоянно глядя людям в глаза, реально искать их поддержки, брать их в свои соратники», объясняет Липовецкий.

На сцене всего четыре блестящих артиста театра: Антон Шварц, Николай Тарасюк, Антон Ксенев и Карина Пестова. Они создают десятки персонажей, мгновенно меняя возраст, характер, интонацию и внутренний ритм роли. Минимализм сценического решения делает спектакль точнее: в центре остаются слово, голос, пауза, взгляд и энергия актёра.

Со сцены звучит не только текст Севелы. В инсценировку введены древние еврейские молитвы, прежде всего псалмы Давида. По словам Липовецкого, именно они придают спектаклю вневременное измерение и выводят историю Мони Цацкеса за пределы фронтового сюжета.

«За такую вневременную составляющую отвечают псалмы Давида, которых нет в тексте у Севелы, которые были привнесены мной», говорит режиссёр.

Молитва здесь не отменяет юмор, а юмор не отменяет молитву. Они существуют рядом, потому что обе эти силы помогают человеку не исчезнуть внутри катастрофы. Смех удерживает от паралича страха. Молитва возвращает достоинство и вертикаль смысла там, где земля уходит из-под ног.

Для израильского зрителя имя Эфраима Севелы звучит особенно лично. После эмиграции из СССР в 1971 году он жил и работал в Израиле, а во время Войны Судного дня добровольцем участвовал в защите страны и был ранен. Поэтому приезд спектакля по его повести в Израиль воспринимается не как обычный гастрольный маршрут, а как возвращение текста в пространство, где биография автора, еврейская память и современная реальность вступают в прямой диалог.

«Моня Цацкес — Знаменосец» рассказывает о прошлом, но звучит без безопасной исторической дистанции. Война, страх, изгнание, идентичность, одиночество, милосердие и право оставаться человеком в нечеловеческих обстоятельствах сегодня не требуют дополнительных пояснений. Зритель считывает слишком многое сам.

Это спектакль о герое без бронзы и пафосной позы. Моня Цацкес не похож на классического знаменосца. Его знамя не только военное. Он несёт через страх, хаос, потери и унижение человеческое лицо, еврейскую память, юмор, верность себе и способность к милосердию.

Гастроли спектакля в Израиле пройдут с 16 по 24 октября.

«Моня Цацкес — Знаменосец»

московский Еврейский Театр «Шалом»

По повести Эфраима Севелы

Режиссёр: Олег Липовецкий

В ролях: Антон Шварц, Николай Тарасюк, Антон Ксенев, Карина Пестова

Продолжительность: 1 час 40 минут без антракта

Организатор: Rest International.

Билеты

Смотреть «Моню Цацкеса» стоит не только тем, кто любит прозу Севелы или еврейский театр. Этот спектакль говорит о тяжёлых вещах без пафоса, о памяти без оцепенения, о войне без эксплуатации боли, о смехе без легкомыслия.

Потому что смех, рождающийся не от пустоты, а от мужества, действительно способен уничтожать страх. Или, по крайней мере, не позволяет страху стать последним словом.

Читайте также:

• Последние новости Беэр-Шевы
• Выплаты Битуах Леуми
• Погода в Израиле
• Полезная информация

Телеграм-канал: https://t.me/+\_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: Подписаться на группу в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Долгожданная премьера от театра ДОМ чёрной СОВЫ – спектакль «Кадры»

Фото: Александр Ханин. Продоставлено KINOLIFE.

Первый спектакль для взрослой аудитории готов покорять ваши сердца, души и умы.

Это история для тех, кто узнаёт в сцене собственную реальность - с её напряжением, иронией и внутренними паузами.

«Кадры» - это трагикомедия с элементами театра абсурда, в которой пять актёров расскажут историю работников одного офиса с их страстями и страхами, комедиями и драмами.

Это рассказ о людях, застрявших между должностными инструкциями и собственными чувствами, между необходимостью быть «удобными» и желанием быть живыми.

Их жизнь превратилась в «офисную реальность», и в этой реальности они часто становятся похожи на участников безумного и смешного карнавала… где роли меняются, маски сползают, а привычный порядок начинает давать трещины.

«Кадры» - это авторская музыка, тонкий юмор и неожиданные повороты.

Музыка становится частью внутреннего действия, юмор - способом выживания, а повороты сюжета оставляют пространство для размышлений и личных интерпретаций.

Спектакль по мотивам пьесы Ингрид Лаузунд «Бесхребетность» - текста о хрупкости человека и о том, как легко потерять голос в мире правил и ожиданий.

Театр ДОМ чёрной СОВЫ - независимое пространство, работающее с авторским театром, вниманием к деталям и внутренним состояниям человека. В своих постановках театр исследует пограничные состояния, уязвимость, абсурд повседневности и скрытые механизмы привычной жизни, предлагая зрителю не готовые ответы, а опыт личного переживания и размышления.

Спектакль на русском языке (16+).

Режиссёр: Ань Хитрик

В ролях: Ань Хитрик, Сергей Руденя, Ольга Абаринова, Александр Бородин и Илья Иванус.

Ашкелон
31 мая 18:30
Зал - Эшколь Пайс, г. Ашкелон

Ришон-ле Цион
15 июня 19:30
Зал - Аудиториум Гехаль а Тарбут, г. Ришон-ли Цион

Петах-Тиква
8 июля 19:30
Зал - Аудиториум Музеон, г. Петах-Тиква

Ашдод
9 июля 19:30
Зал - Матнас Дюна Юд, г. Ашдод

Нетания
14 июля 19:30
Зал - Эшколь Пайс, г. Нетания

Беэр-Шева
15 июля 19:30
Зал - Матнас Левин, г. Беэр-Шева

Хайфа
23 июля 19:30
Зал - Матнас Адар, г. Хайфа

Тель-Авив
27 июля 19:30
Зал - Аудиториум Энис, г. Тель-Авив

Подробности и билеты на спектакль в вашем городе.

Организатор: KINOLIFE

Читайте также:

• Последние новости Беэр-Шевы
• Выплаты Битуах Леуми
• Погода в Израиле
• Полезная информация

Телеграм-канал: https://t.me/+\_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/HxVK0mhNyfg4CeEiwypGDJ

«Тревога по-одеськи»: смех как убежище

Фото предоставлено компанией Smith Media

В Израиле сложно найти человека, которого не тронет фраза: «Мероприятие будет продолжено, если тревога продлится не больше часа…»

Именно с этих слов начинается спектакль «Тревога «по-одеськи» или как одна мишпуха в убежище собиралась» – мощная комедия, которая в первой половине мая ступает на израильскую сцену. И это не просто очередной гастрольный показ – это встреча двух народов, которые умеют смеяться даже тогда, когда сирены звучат очень часто и яростно.

Одесса – город, где юмор всегда был формой выживания. Ещё со времён Исаака Бабеля и одесских двориков смех здесь служил щитом от любых бурь – политических, экономических, исторических.

Сегодня, когда и Одесса, и Израиль живут в условиях тревог, убежищ и неопределённости, одесская театральная труппа создаёт спектакль, тема которого понятна каждому: что происходит, когда семья собирается в убежище?

Но это не драма о страхе – это комедия о жизни: мишпуха в замкнутом пространстве.

«Тревога по-одеськи» – это 1 час 40 минут тонкого, лихого, по-настоящему одесского юмора. В центре сюжета обычная мишпуха, которая в условиях тревоги собирается в убежище. А где есть семья, там есть характеры, недосказанности, воспоминания, ревность, любовь и бесконечные бытовые детали, которые в замкнутом пространстве становятся особенно выразительными.

Это спектакль о нас. О том, как мы ведём себя, когда внешние обстоятельства сжимают пространство. О том, как страх неожиданно уступает место иронии и юмору. И о том, что даже при таких сложных обстоятельствах можно найти повод для смеха.

На сцене народные артисты Украины, настоящие одесситы Олег Филимонов и Диана Малая:

Олег Филимонов – легендарный участник команды КВН «Одесские джентльмены», ведущий «Джентльмен-шоу», «Филимонов и компания», «Камера смеха». Человек, чья интонация давно стала отдельным жанром.

Диана Малая – актриса Украинского музыкально-драматического театра им. В. Василько, известная по фильмам «Дежа вю», «Ликвидация», «Остров ненужных людей».

Их дуэт – это виртуозная актёрская игра, построенная на темпе, точности формулировок и одесской интонации. Полтора часа на сцене, и равнодушных не остаётся. Зрители смеются, сочувствуют, узнают себя, а иногда и плачут. Но это слёзы облегчения, когда напряжение отпускает.

Можно ли шутить в сложное время?

Этот вопрос звучит всё чаще. И одесситы отвечают на него без пафоса: шутить не просто можно, а необходимо. Смех – это способ сохранить достоинство. Это внутренняя свобода, которую невозможно отнять сиренами. Это та сила, которая позволяет выжить и не ожесточиться.

«Тревога по-одеськи» – не про легкомыслие, а про устойчивость, про способность сохранять тепло внутри семьи, даже когда стены бетонные, а время напряжённое.

Зрителям в Израиле не нужно объяснять контекст. Они узнают себя с первых минут. И в этом редкое ощущение единства: Одесса и Израиль говорят на одном языке, языке юмора, памяти и стойкости.

Пьеса звучит на русском языке с одесским «прононсом», именно в этом её особая магия. И, как сказали бы в Одессе, если тревога длится меньше часа, мероприятие обязательно будет продолжено. А если больше, тем более нужно продолжать!

Билеты: https://1699.kassa.co.il/announce/85289

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Ромео и Джульетта: Верона угол Дерибасовской

Фото предоставлено компанией Smith Media

До приезда легендарного одесского театра «Маски» в Израиль остаются считанные дни.

И в реальности, где новостная повестка меняется быстрее, чем мы успеваем допить утренний кофе, особенно ценными становятся вечера, которые позволяют просто выдохнуть. Не анализировать, не переживать, не строить прогнозы. Просто смеяться.

Театр «Маски» давно перестал быть просто сценическим коллективом. Для нескольких поколений зрителей это культурная память, телевизионная ностальгия, язык юмора, понятный без перевода. Их стиль узнаётся мгновенно. Физическая комедия, пантомима, абсурд, гротеск и одесское чувство меры, которое позволяет шутить громко, но никогда грубо.

В Израиль артисты привозят свою версию «Ромео и Джульетты». Это спектакль, в котором Шекспир чувствует себя вполне комфортно, хотя и явно удивлён происходящему на сцене. Трагедия превращается в комедию положений, недоразумений и великолепной актёрской игры.

Здесь Джульетта давно вышла из школьного возраста и отлично понимает, чего хочет от жизни. Ромео влюбляется стремительно и без лишних философских пауз. Семейные конфликты решаются эмоционально и изобретательно. Цветочные горшки участвуют в драматургии активнее, чем принято в классическом театре. А финал оставляет зрителя не с трагическим вздохом, а с улыбкой и ощущением, что мир всё-таки не лишён здравого чувства юмора.

На сцене артисты, которых публика знает и любит десятилетиями. Борис Барский, Татьяна Иванова, Алексей Агопьян и их партнёры создают атмосферу живого театрального хулиганства высшего класса. 

Такой спектакль трудно воспринимать как просто гастрольную программу. Скорее это культурная пауза. Возможность провести вечер вне повседневной напряжённости. Повод выйти из дома, встретиться с друзьями, вспомнить телевизионные воспоминания или познакомить с этим юмором новое поколение.

Иногда лучший способ восстановить баланс это позволить себе несколько часов без серьёзности.

Тем более что такой Джульетты вы ещё не видели.

И такого Ромео тоже.

И да, не забудьте купить билеты: https://1699.kassa.co.il/announce/84045

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/JMenJl4MWiiBdxrPw7ZqP3

Иерусалимский симфонический оркестр и маэстро Юлиан Рахлин исполнят произведения Моцарта и Баха в Беэр-Шеве

Фото: Yoel Levi. Предоставлено пиар-агентством Sofia Nimelstein PR & Consulting

9 февраля Иерусалимский симфонический оркестр под управлением маэстро Юлиана Рахлина исполнит два выдающихся произведения двух гениев: 

Концерт ре минор для двух скрипок с оркестром Иоганна Себастьяна Баха и Реквием Вольфганга Амадея Моцарта в честь 170 лет со дня рождения композитора.

В концертt примут участие маэстро Юлиан Рахлин (дирижер), сопрано Нофар Яакоби, альт Моника-Эвелин Лийв, тенор Валентин Дитюк, бас Брий Круглов, хор Tel Aviv Collegium Singers под руководством Ишая Штеклера, а также скрипачки Йенни Хюниген и Жанна Гандельман. 

Впервые в Израиле – спектакль Жени Беркович «Наше Сокровище» — символ борьбы и надежды

Фото предоставлено компанией Smith Media

Спектакль запрещен для показа в России 

«Мы очень рады, что снова приедем в Израиль.                                                                                                    Мы посвящаем эти гастроли нашим девочкам                                                                              Жене Беркович и Свете Петрийчук.                                                                                                                                              Мы благодарны каждому, кому не безразлична                                                                                           их судьба, кто помогает нам…»                                                                                                        Мариэтта Цигаль-Полищук, ведущая актриса театра                                                      

Напомним, что в июле 2024 года, за надуманное преступление суд приговорил режиссера Женю Беркович к шести годам лишения свободы. И это был первый в истории современной России приговор за конкретный спектакль. 

Спектакль «Наше сокровище» – последняя работа Жени Беркович. На первый взгляд он кажется комическим, но на самом деле – это исследование человеческой природы и аллегория на нашу современность. В этой постановке Женя Беркович переносит зрителя в параллельный мир, где в условном сценическом пространстве рождается история живого, земного и легко узнаваемого чуда. Здесь осел и вол обсуждают бытовые вопросы, а ангелы пытаются примириться со своей ролью – заботится о людях и сообщать им об опасности. Никогда еще интерпретация библейской истории не звучала так остроумно, так понятно, и так невероятно современно!

Игра актеров великолепна, неподражаема и трагикомична.  Она наполнена самоиронией и искренностью, которые выходят за рамки сцены. Кажется, что они существуют не в театральном пространстве, а в реальной жизни, такой, какой она бывает: сложной, нелепой, иногда жестокой, но всегда удивительно живой. Все роли актрисы играют взахлеб, как дети, где в какой-то момент ты ловишь себя на том, что уже сам стал участником этого мудрого  увлекательного зрелища. 

Театр «Дочери СОСО» - актёрский состав спектакля:

Мариэтта Цигаль-Полищук – окончила ГИТИС. Сотрудничала с театрами «У Никитских ворот» и на «Малой Бронной». Работала с режиссерами: Максимом Диденко, Микитой Ильинчиком, Ниной Чусовой, Мигелем, Егором Дружининым, Владимиром Мирзоевым и другими. Работы в кино и сериалах: «Раневская» (главная роль), «Я вернусь», «Обитаемый остров», «Чернобыль», «Преступление и наказание» и другие. 

Светлана Сперанская - окончила актерский факультет ГИТИСа и Академическое музыкальное училище при Московской государственной консерватории им. П.И.Чайковского.  Актриса и педагог по вокалу в Театре «Дочери СОСО».

Наташа Горбас - окончила актерский факультет Школы-Студии МХАТ, актриса Театра Ермоловой. Как режиссер выпустила спектакль «Слепые» по пьесе Мориса Метерлинка. 

Ирина Сова - российская актриса театра и кино, также известна по ролям в различных спектаклях и проектах, охватывающих театры и кино («Камерный театр», «Пространство «Внутри»). 

Николай Матвеев - муж Жени Беркович. Активно выступал в поддержку жены и других фигурантов «театрального дела». Матвеев не профессиональный актер, тем не менее в спектакле «Наше сокровище» играет наравне с профессионалами. 

Продолжительность спектакля – 1 час 30 минут, 16+

Отзывы о спектакле:

Михаил Ширвиндт, телеведущий, писатель, кинопродюсер: «В спектакле Жени Беркович известное предстает в новом парадоксальном свете. Гротескные образы соседствуют с бытовой простотой, а библейские мотивы вплетаются в повседневность с легкостью, которая лишь подчеркивает их актуальность».

Кирилл Серебренников, театральный и кинорежиссёр: «В своей постановке Женя создает мир, где высокое и низкое, трагическое и комическое сливаются в единую ткань повествования. Спектакль напоминает зрителю, что в любой великой истории есть место простым людям — тем, кто случайно оказался рядом. Эта тонкая ирония делает постановку одновременно остроумной и трогательной, заставляя зрителя увидеть себя в каждом из персонажей».

Татьяна Догилева, актриса: «Этот спектакль, на первый взгляд, комический, оказался глубоким исследованием человеческой природы и проницательной аллегорией на нашу современность».

Анна Монгайт, журналистка и ведущая телеканала «Дождь»: «Посмотрела спектакль в Лондоне. Чувства переполняют. Под кажущейся легкостью и комедийностью скрывается серьезное содержание. Беркович тонко подводит зрителя к мысли о том, что каждый человек это маленькое чудо, чей смысл и ценность жизни в потоке больших событий часто остаются незамеченными…все это складывается в единую историю, где все роли – главные».

Александр Городницкий, бард, поэт, драматург: «Был на спектакле «Наше сокровище». Это не просто театральная постановка, это возможность взглянуть на мир по-новому, переосмыслить привычные истины и почувствовать себя ближе к тем, кого мы часто не замечаем. Постановка оставляет после себя не только улыбку, но и надежду, что в этом сложном мире мы все еще можем быть чьим-то сокровищем».

Эдуард Ратников, продюсер, соучредитель компании «Эвентим»: «Игра актеров наполнена самоиронией и искренностью, которые выходят за рамки сцены. Кажется, что они существуют не в условном театральном пространстве, а в реальной жизни – такой, какой она бывает: сложной, нелепой, иногда жестокой, но всегда удивительно живой…».

Татьяна Цыплакова, актриса, режиссёр: «С первых минут актёры погружают зрителя в параллельный мир, где на фоне стилизованных декораций разыгрывается история о рождении чуда — но не возвышенного, а земного, человеческого, доступного пониманию каждого… Прекрасный спектакль!»

Сегодня Женя Беркович, режиссер и основатель театра «Дочери СОСО» по вопиющим причинам не может приехать в нашу страну и представлять свой театр на израильских сценах, но её незримое присутствие придаст уверенности и сил актерам.

Давайте увидим спектакль, поддержим своим присутствием героический Театр Дочерей СОСО и испытаем те чувства и эмоции, которые Женя Беркович изначально вложила в свой спектакль.

Расписание спектаклей и билеты: https://1699.kassa.co.il/announce/zhenya_berkovich

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/JMenJl4MWiiBdxrPw7ZqP3

Последняя роль Соломона Михоэлса как жизнь, повторяющая свои интонации в новом времени

Фото предоставлено компанией Smith Media

Вчера вечером в Иерусалиме впервые на израильской сцене американский театр By the Way Theatre представил спектакль «Последняя роль Соломона Михоэлса». Показ стал редким примером того, когда спектакль заявляет о себе не сразу, громко требуя к себе внимания, а постепенно, почти незаметно затягивает зрителя в глубины сюжета.

Речь идёт о камерном сценическом высказывании, где форма служит мысли, а мысль - идее. История разворачивается спокойно, без внешних эффектов и без драматургического нажима. Но всё происходит словно на одном дыхании, как разговор, в котором важны не только слова, но и паузы. И именно в этих паузах возникает главное напряжение спектакля.

В центре повествования фигура Соломона Михоэлса, показанная вне привычных рамок или исторического канона. Перед зрителем не памятник и не символ эпохи, а живой человек, существующий в сложном балансе между искусством, ответственностью и личным выбором. Рассказ не стремится реконструировать факты и не подводит к трагическому финалу. Он позволяет приблизиться к внутреннему миру героя и услышать его голос таким, каким он мог звучать в реальности.

Актёрская работа отличается редкой собранностью и точностью. Здесь нет желания произвести впечатление или подчеркнуть значимость момента. Присутствие на сцене ощущается как естественное состояние, в котором жест, интонация и молчание равноправны. Благодаря этому спектакль воспринимается не как театральный продукт, а как субстанция, к которой зритель, сам того не замечая, постепенно подключается.

Текст выстроен сдержанно и точно. Он не объясняет и не морализирует, а предлагает слушать и размышлять. Режиссёр избегает прямых указаний и оставляет пространство для личного восприятия. Такой подход создаёт редкое чувство доверия между героями спектакля и залом, когда внимание удерживается за счёт достоверности происходящего.

В итоге, разговор, начатый создателями спектакля, не обрывается с последней репликой. Он продолжается уже за пределами зала, в мыслях и ощущениях. Возникает почти интимное чувство знакомства с человеком, о котором, казалось бы, давно всё известно. И вместе с ним желание узнать больше, услышать ещё, остаться в этом диалоге дольше.

Финал оставляет необъяснимо тревожный оттенок. История, которую хотелось бы считать завершённой и принадлежащей прошлому, сегодня снова звучит современно и узнаваемо, не как драма или урок, а как сегодняшняя реальность, повторяющая свои интонации в новом времени.

Если билеты ещё не куплены, откладывать не стоит. Такой театр встречается редко и требует не спешки, а внимательного присутствия.

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/JMenJl4MWiiBdxrPw7ZqP3

Впервые в Израиле: Королевский Национальный балет Грузии

Фото: Shota Tsereteli. Предоставлено пиар-агентством Sofia Nimelstein PR & Consulting

Когда грузинские танцоры выходят на сцену, зрители оказываются в водовороте энергии, истории, традиции и страсти, в мире, где каждое движение несёт в себе силу поколений. В январе 2026 года Израиль впервые примет у себя гастроли Государственного Королевского Национального балета Грузии – уникального коллектива, покорившего более 40 миллионов зрителей в 80 странах.

С 8 по 13 января 2026 труппа выступит в шести городах Израиля – от Ришон ле-Циона до Беэр-Шевы. Это будет не просто концерт, а культурное событие, настоящее театральное чудо. 

На сцене – балет, в котором нет границ между народным искусством и театром, между традицией и дерзостью, между акробатикой и поэзией. Танец здесь – не просто движение. Это гордость, это ритм земли, это отпечаток истории, рассказанный языком тела. Каждый танец – как отдельный эпизод эпоса, рассказанный языком тела: благородная кахетинская сюита, огненная лезгинка, сцены сражений и любви. 30 виртуозных танцоров исполняют головокружительные вращения, стремительные прыжки, сложнейшие трюки и акробатические элементы, двигаются в совершенном синхроне, словно одно целое, – и всё это - в сопровождении живой музыки и более 150 колоритных костюмов.

Королевский Национальный балет Грузии демонстрирует впечатляющее сочетание технического совершенства и эмоциональной глубины исполнения. Это живое воплощение грузинской культуры, возможность прикоснуться к истории, сохранившейся в ритмах, костюмах и жестах. Шоу объединяет в себе элитарную и массовую культуру, художественное воображение и точный расчёт, национальные корни и глобальный язык.

Но главное – этот балет не просто хранит традиции, он их переосмысливает. Каждое выступление – это слияние фольклора, классики и современного сценического искусства. Постановки соединяют темперамент, грацию, физическую выносливость и эстетику, создавая стиль, не похожий ни на одну другую труппу в мире. Танец становится синтезом музыки, живописи, пластики, театра и даже циркового искусства, создавая яркое новаторское шоу, которое выходит далеко за рамки привычного представления о народной хореографии.

Истоки грузинского танца уходят во II тысячелетие до н. э., но именно в XXI веке он заговорил с новой силой. Современный Королевский балет опирается на эти глубокие корни. Идея его создания принадлежит Геле Поцхишвили — выдающемуся хореографу, кавалеру грузинского ордена Почёта, лауреату международных фестивалей, а также Майе Кикнадзе — известной танцовщице и хореографу. Вместе они основали труппу, чтобы заново прославить культуру своей страны на мировой сцене. Под их руководством балет превратился в творческую лабораторию, объединившую сотни исполнителей из разных регионов Грузии. 

Сегодня коллектив не просто сохраняет традиции, но активно развивает их. Открытая Гелой Поцхишвили и Майей Кикнадзе Dance Academy – первая профессиональная школа грузинского танца, воспитывает новое поколение артистов, формируя будущее национальной сцены.

Королевский Национальный балет Грузии активно гастролирует по всему миру, представляя грузинское искусство на ведущих сценах Европы, Азии, Америки и Ближнего Востока. Международные туры стали не просто визитами, а миссией культурного диалога, возможностью делиться красотой и глубиной грузинского искусства с широкой аудиторией. Каждый концерт – это встреча культур, и каждый зритель становится частью этой живой передачи традиции. На сценах по всему миру выступления труппы вызывают восторг и уважение – как к художественному уровню постановок, так и к уникальности грузинского культурного кода.

Гастроли в Израиле – не просто встреча с выдающимся коллективом, а приглашение в мир, где танец – это и эпос, и гимн, и дыхание народа. Это искусство, которое не нуждается в переводе. Оно сразу попадает в сердце.

Ришон ле-Цион – 8 января, четверг, 20:00 – «Гейхал Меир ле-Тарбут»

Хайфа – 9 января, пятница, 20:00 – «Аудиториум Хайфа»

Петах-Тиква – 10 января, суббота, 20:00 – «Гейхал а-Тарбут»

Ашкелон – 11 января, воскресенье, 20:00 – «Гейхал а-Тарбут»

Беэр-Шева – 12 января, понедельник, 20:00 – театр «Синема-Сити»

Герцлия – 13 января, вторник, 20:00 – Центр сценических искусств 

Заказ билетов в кассе «Браво»: https://1699.kassa.co.il/announce/83709

Организатор гастролей в Израиле компания Bezalel Events.

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Андрей Смоляков - «Буду сниматься в кино»: 5 причин, почему нельзя пропустить этот спектакль

Фото: ArtMechanics Production. Предоставлено компанией Smith Media)

В преддверии гастролей в Израиле!

Андрей Смоляков - «Буду сниматься в кино»

5 причин, почему нельзя пропустить этот спектакль

1. Звездный актёрский состав с Андреем Смоляковым

Блистательное трио: Андрей Смоляков, Евгения Дмитриева и Мария Мацель — редкое сочетание таланта, опыта и молодости. 

2. Автор — Нил Саймон

Нил Саймон — американский драматург, умеющий говорить о сложных вещах простым языком. В этом спектакле его текст ясен, логичен и хорошо структурирован.

3. Понятный и интересный сюжет

В центре истории — сценарист, переживающий период профессионального застоя, и его личная жизнь, находящаяся в состоянии паузы. Всё строится на реальных человеческих отношениях и мотивах. 

4. Эмоциональная вовлечённость 

Спектакль не пытается вызвать эмоции намеренно. Он не давит, не поучает и не манипулирует чувствами зрителя. Эмоциональная связь возникает естественно — через диалоги, паузы и узнаваемые жизненные ситуации. 

5. Качественная режиссура 

Постановка Владимира Золотаря выстроена чётко и аккуратно. Темп спектакля позволяет удерживать внимание на протяжении всего действия, не перегружая и не утомляя. 

«Буду сниматься в кино» — профессионально сделанный спектакль. Театр, который говорит со зрителем на равных и предлагает теплый и качественный вечер.

Спектакли пройдут в лучших залах Израиля

Продолжительность: 2 часа 30 минут с антрактом

Билеты: https://1699.kassa.co.il/announce/Smolyakov

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

«Черт знает что!» — спектакль, который уже оценили зрители по всему миру

Фото: Светлана Соболева. Предоставлено компанией M A K International Production

«Черт знает что!» — спектакль, который уже оценили зрители по всему миру! Не пропустите премьеру в Израиле уже в декабре!

Эта пьеса ставилась в разных странах и неизменно получала отклики как произведение редкой честности и эмоциональной глубины. Зрители называют её «необыкновенно человечной», «искренней до боли» и «той историей, которая остаётся в памяти надолго».

Теперь спектакль выходит на израильскую сцену и пропустить его действительно нельзя.

Это не очередная премьера, а событие, которое случается не каждый сезон!

В главных ролях — Дмитрий Назаров и Ольга Васильева: два артиста, чья работа давно стала эталоном сценической правды.

Их дуэт — пример того, как актёрское мастерство превращает драматургию в живое переживание, без внешних эффектов, но с абсолютной точностью и силой! 

Собирайте друзей и знакомых, приобретайте билеты и вы точно не пожалеете!

09 декабря 2025 (вторник), 20:00 — Беэр-Шева

🎟 Билеты

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Маски-шоу в Израиле: одесский юмор, который всегда в моде

Фото: Дмитрий Скворцов (предоставлено компанией Smith Media)

Когда на афише фигурируют слова «Маски-шоу», зал заранее готовится смеяться до боли в щеках и животе. 

Знаменитая одесская труппа привозит в Израиль «Ромео и Джульетту», новую интерпретацию знаменитой пьесы, которая заставит самого Шекспира поверить, что его читают люди с чувством юмора. Здесь нет скорбных монологов и хрестоматийных вздохов. Зато есть ну очень взрослая Джульетта, понимающая страсть куда лучше наивных юных героинь. Она влюбляется так, что зритель верит каждому её жесту и ведёт историю туда, где трагедия превращается в пир смеха.

Одесса всегда дышала юмором. В городе, где даже морской бриз звучит как шутка, «Маски» научились превращать трагедии в анекдоты, а драматические сцены в карнавальное шоу. Тибальт «умирает» от укуса за ухо, Бенволио падает под ударом горшка с цветком, Капулетти превращается в ворчливого соседа, которого обожает весь двор. Джульетта непрерывно остаётся бьющимся сердцем спектакля, именно она назначает свидание на кладбище, и эта сцена звучит как одесская байка, в которой даже мраморные памятники подмигивают зрителю.

«Маски» делают из классики праздник. Их пантомима, пластика и фантазия создают вихрь, в котором зритель становится соучастником игры. Шекспир в их исполнении звучит так, словно его строки рождались на Привозе среди корзин с виноградом и свежей тюлькой. Израильская публика получит не воспоминание о девяностых, а живое искусство, которое умеет смешить по-настоящему.

Действующие лица и исполнители

Ромео: Народный артист Украины Борис Барский

Джульетта: Татьяна Иванова (Журнал видео комиксов «Каламбур» — «Деревня Дураков»)

Тибальт и Аптекарь: Алексей Агопьян (Журнал видео комиксов «Каламбур» — «Крутое Пике» и «Железный капут»)

Капулетти: Михаил Волошин

Бенволио: Александр Постоленко

Парис: Игорь Малахов

Автор пьесы: Борис Барский

Режиссер постановщик: Георгий Делиев

Уже в феврале в Израиле

🎭 Билеты: https://1699.kassa.co.il/announce/84045

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Вениамин Смехов – Первый сценический Воланд

«Мы стареем, а спектакль нет.                                                                                                                            И что бы ни творилось в мире                                                                                                                                           спектакль идет и будет идти»                                                                                                                                                Аркадий Райкин

     Все знают Вениамина Смехова – и не только как актера, но и как режиссера, публициста, путешественника, литератора. А о его феноменальной памяти даже ходят легенды: кажется, он знает наизусть всю мировую поэзию. Однако мировую известность этому талантливому человеку принёс именно театр.

     Первое настоящее признание пришло к артисту 6 апреля 1977 года, когда в «На Таганке» он сыграл Воланда в премьерном спектакле «Мастер и Маргарита», блистательную постановку которого осуществил великий Любимов, в то время художественный руководитель и главный режиссёр театра. Немалую роль в этот уникальный театральный проект привнёс Вениамин Смехов, великолепно сыгравший Воланда. Между прочим, эта постановка стала первым в мире сценическим прочтением бессмертного романа Михаила Булгакова.

     Чтобы такой спектакль ожил и жил десятилетиями, надо было обладать великим даром Созидателя, каким обладал Юрий Петрович Любимов: он сотворил Спектакль из гениального материала Михаила Булгакова и собственной души. Спектакль так мощно был сбит режиссерски, что и через 25 лет зритель на него реагировал, как на премьерный! 

     Приближалось десятилетие Таганки, и Юрий Петрович стал искать к первой круглой дате театра произведение, подходящее для эстетики «таганской школы». И, наконец, к 1975 году материал был найден: «Мастер» Любимов нашёл «Мастера» Булгакова – и работа пошла полным ходом.

     В процессе репетиций у Смехова случилось озарение: главное в его Воланде было не всесилие («всесилен, всесилен» — помните?), а тоска. Он наблюдатель… Вокруг события, беспокойные и буйные, а Воланд словно вне игры. Однако его статика оказывается активнее страстей. Он озирает пространства, попадает в самые разные уголки земли — теперь вот сатанинская должность занесла в Москву 30-х годов. Тут он, призванный вечно наказывать за зло, вдруг понимает, что карать некого и незачем: москвичи наказали себя сами, да так, как никакой дьявол бы не справится (какой важный булгаковский подтекст и какая мощная параллель с сегодняшним днём). 

     В романе «Мастер и Маргарита» одно из главных гениальных открытий автора состоит в том, что на свете есть нечто, что неподвластно потусторонней силе, и это нечто – союз искусства и красоты – Мастер и Маргарита! И Воланд Смехова это прекрасно понимает: жизнь – ничто, но искусство и красота– вечны! И вот под эту власть – власть романа Мастера и красоты Маргариты – вместе со своими подручными подпадет и сам Сатана (для которого, как известно, нет в мире ничего святого). И когда в притихшем зале он восклицает: «Рукописи не горят!», он как бы говорит своему зрителю: «Красота и искусство – нетленны, они все равно пробьются к людям, как их ни души, ни жги, ни топчи!» 

     Вот о чем этот спектакль любимовской Таганки и вот каким Сатаной предстал перед зрителем Вениамин Смехов. Сам актёр вспоминает:

«Понимаете, у меня в то время был ледниковый период в отношениях с Любимовым. Вообще в зависимости от наших отношений он называл меня то «Веня», то «Вениамин Борисович», а то просто в третьем лице – «Смехов». Так вот, в тот период он называл меня «Смехов». И потому назначение на роль Воланда меня потрясло. Мой читательский восторг намного превышал мои представления о своих актерских возможностях. К тому же Любимов – человек жесткий, предпочитающий ругать, а не хвалить. Предел похвал у него: «Сегодня ты верно репетировал». Может, потому из нас что-то и получилось, что он нас талантливо ругал, а мы талантливо обижались… Но на «Мастере» Любимов снова стал нам отцом родным. Работалось в охотку, радостно как-то. Он все время оговаривался про Воланда: «Этот человек… то есть существо!» Я спрашивал: «Так Воланд – он или оно?..» Любимов махал на меня руками: объяснить про Воланда он ничего не мог, зато показывал – поразительно!»

Годом позже Воланд Смехова произвёл настолько неизгладимое впечатление на одного из зрителей, что тот впоследствии предложил ему сыграть Атоса в своём фильме «Д'Артаньян и три мушкетёра». 

И это лишь малая часть истории.

Её продолжение и многое другое вы сможете услышать на встрече

«Вениамин Смехов - Ностальгия по настоящему».

Уже совсем скоро Смехов возвращается в Израиль, чтобы говорить о том, что не теряет значения. Это будет встреча с артистом, не нуждающимся в представлении, голос которого узнают с первых слов.

Билеты

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Блистательное актёрское трио — Андрей Смоляков, Евгения Дмитриева и Мария Мацель — в комедии Нила Саймона «Буду сниматься в кино»

Фото: ArtMechanics Production. Предоставлено компанией Smith Media)

«Любить кого-то — 

значит беспокоиться об этом человеке ежесекундно…»

Премьера в Израиле!

Андрей Смоляков, Евгения Дмитриева и Мария Мацель - в лирической комедии Нила Саймона «Буду сниматься в кино». 

Спектакль стал событием театрального сезона 2024 — 2025 года.

В центре сюжета сценарист, оказавшийся в состоянии медленного профессионального обнуления (А. Смоляков) и на грани разрыва с любящей его женщиной (Е. Дмитриева). Его жизнь не разрушена, она просто перестала идти вперёд. Он живёт внутри дней, похожих друг на друга, и творческая пауза стала слишком длинной, чтобы не замечать её. Это спокойная устойчивая усталость человека, который давно перестал верить в шанс на новый импульс.

И именно в этот ровный темп входит фигура, способная нарушить любую систему. 

Дочь, оставленная им когда-то в раннем детстве (М. Мацель), возвращается неожиданно, уверенно и — главное — с собственным планом. Голливуд для неё не метафора, а цель, сформулированная так же чётко, как расписание съёмочного дня. Она не требует объяснений, не предъявляет претензий и не предлагает тепла. Она просто входит и начинает менять расстановку сил.

Эта встреча становится стержнем спектакля. Комедийность рождается из наблюдений — из попыток героя сохранить достоинство, из прямоты девушки, из моментов, в которых взрослые ведут себя так, будто в соседней комнате всё ещё лежат их детские ошибки.

Смех и слезы переплетаются, создавая невероятный эмоциональный спектр.  

Андрей Смоляков — Народный артист России, лауреат Государственной премии в области театрального искусства - артист, чьё имя неразрывно связано с историей современного театра. Выпускник ГИТИСа, ученик Олега Табакова, он долгие годы работал в Театре Олега Табакова, где создал целую галерею ролей, определивших культуру сценического слова своего времени. В разные годы он был связан с Московским Художественным театром имени Чехова и Государственным Театром Наций.

В кино Андрей Смоляков создаёт образы, в которых сила и покой существуют как единое целое. На экране его знают по фильмам и сериалам «Движение вверх», «Метод», «Домашний арест», «Территория», «Палач», «Художник», «Дом солнца», «Метро», «Текст», «За нас с вами» и конечно многосерийный проект «Мосгаз». 

Его имя остаётся символом профессионализма, достоинства и высокой сценической культуры.

Евгения Дмитриева — популярная и любимая актриса театра и кино, окончила высшее театральное училище имени Щепкина, работает на сцене Государственного Академического Малого театра и продолжает активно сниматься в кино. Помимо работы в кино, Евгения Дмитриева также является театральным режиссером и педагогом.  

Популярные работы актрисы в кино: Мистер Нокаут, Два Холма, Пальма, Огонь, Казанова, Хэппи-Энд, Элефант, На Краю, Без Меня, Лорик, Нелюбовь, Пять минут тишины.

Мария Мацель — одно из самых заметных молодых имён российской сцены и экрана. Актриса окончила государственный институт кинематографии (ВГИК). Получила широкую известность благодаря ролям в сериалах «Перевал Дятлова», «ЮЗЗЗ» и в фильме «Страна Саша», за роль в котором получила Приз «Лучшая женская роль», мировая премьера которого состоялась на Берлинском кинофестивале. 

Среди наиболее заметных проектов: «Перевал Дятлова» — роль Зины Колмогоровой принесла ей широкую известность, «ЮЗЗЗ», «Страна Саша», «Чёрное облако», «Хирург», «Мосгаз».

Мария Мацель является актрисой Театра Наций и играет главную роль в спектакле «Джульетта» в Большом драматическом театре (БДТ) имени Товстоногова.

Владимир Золотарь — известный театральный режиссер. 

Выпускник Санкт-Петербургской академии театрального искусства, 

был главным режиссером ряда театров, поставил более 70 спектаклей от камерных до масштабных проектов. Среди его известных работ — «Войцек» Бюхнера (номинация на «Золотую маску», «Анна Каренина» Толстого, «Чайка» Чехова, «Собачье сердце» Булгакова, «Король Лир» Шекспира и многие другие. Является лауреатом различных театральных премий и Гран-при международных фестивалей. 

Нил Саймон — выдающийся американский драматург, сценарист и писатель, один из самых успешных и исполняемых авторов в истории американского театра. Был удостоен множества престижных наград, включая три премии «Тони», Пулитцеровскую премию «Золотой глобус» и Премию Марка Твена за американский юмор. 

Режиссер - Владимир Золотарь

Художник-постановщик – Эмиль Капелюш

Композитор – Алексей Сысоев

Художник по свету – Евгений Ганзбург

Видеорежиссер - Наталья Наумова

Автор пьесы – Нил Саймон

Переводчик – Сергей Каменков-Павлов

Спектакль не предполагает спасать духовно, улучшать карму или менять мировоззрение, зато гарантирует вечер, где будет смешно, умно и очень по-человечески…

Спектакли пройдут на сценах лучших театральных залов Израиля. 

Продолжительность – 2,5 часа с антрактом, 16+

Билеты

Телеграм-канал: https://t.me/+_BICEry0pE5jZDU8
Группа в вотсапе: https://chat.whatsapp.com/Fzr6Qi1ThbwEqy4V0hid6l

Вениамин Смехов: «Я был потрясен событиями 7 октября, и это будет со мной навсегда»

Фото: Галина Аксенова. предоставлено компанией Smith Media.

Есть люди, чьё присутствие возвращает нам спокойствие и тишину, в которой снова хочется думать и чувствовать. Вениамин Смехов относится именно к таким. Его голос узнают без представления, его взгляду верят, его словам доверяют, потому что в них нет суеты, только опыт и внимание к человеку.

Мы встретились с ним накануне его приезда в Израиль. Разговор был честным и мягким. Без громких деклараций, без попытки удивить. Он говорил так, как живет: спокойно, внимательно и с достоинством.

Этой зимой Смехов возвращается к израильскому зрителю, чтобы снова говорить о важном. О времени, о памяти, о свободе и о том, что настоящее не исчезло, просто его нужно уметь замечать.

Что значит быть артистом сегодня: в мире скоростей, айфонов, превалирования коротких эпизодов, малых форм и т.п?

Быть артистом – это играть. Как можно больше! Как можно разнообразнее! Останавливать мир на прекрасное мгновенье. Отрывать людей от экранов телефонов. Собирать людей в больших и малых залах с целью рассказать им что-то важное о времени, и о человеке.

Начиная с 60-х «Театр на Таганке» не на одно десятилетие стал символом свободы: как для актёров, так и для зрителей. Возвращаетесь ли вы мысленно к тем годам и, если да, что чувствуете, о чём думаете?

К Таганке возвращаюсь постоянно. Это моя молодость, мой опыт, мои друзья и коллеги. Лучшего в моей жизни не было. Но было еще много хорошего. Мне повезло, я играл два спектакля «Пастернак. Сестра моя жизнь» и «Берегите ваши лица» в Гоголь-центре и играю в Театре Наций в спектакле «Последнее лето», который мне очень дорог. Как ни странно – отношения между людьми в названных двух театрах нежнее, чем были у нас на Таганке. Может быть, это одна из примет нашего времени – театр, как место, где можно спасаться от жизни и люди больше берегут друг друга.

Ваша программа называется «Ностальгия по настоящему». А что для вас ностальгия? Тоска, светлая грусть, способ понять через вчерашний день сегодняшний?

Ностальгия – это не обязательно мечты о дне вчерашнем. Моя программа называется «Ностальгия по настоящему». Здесь я цитирую моего друга, поэта Андрея Вознесенского. Моя ностальгия не по прошлому, вернее, не только по прошлому, она по тому, что должно быть, но почему-то не случается. Это ностальгия по реализации того, что мне кажется правильным и настоящим.

Вы не раз бывали в Израиле. Является ли это место чем-то особенным для вас? Меняется ли с годами ваш диалог со зрителем здесь, отношение к нему?

Я влюбился в Израиль в начале 1990-х, когда оказался здесь впервые с Театром на Таганке, приезжал и приезжаю сюда часто. Я работал в Израиле, поставил здесь два спектакля в 1990-х – «Дон Кихота» Булгакова в Театре «Хан» и свою «Али-бабу» в Хайфском театре. На последнем спектакле была Лея Рабин, это было еще до убийства Рабина. Мне важно, что происходит в Израиле. Я был потрясен событиями 7 октября, и это будет со мной навсегда.

Что же касается вашего второго вопроса, то, конечно диалог со зрителем меняется. Я старею, стареет мой зритель. Хотя в России на моих концертах в последнее время много молодых людей, видимо, я перешел из разряда старомодных актеров, в разряд антикварных, и за это меня ценят молодые. Наше поколение – последнее, кто связывает 1920-е с 2020-ми, мы ведь учились у людей 1920-х годов.

Вы как не многие понимаете, что такое «сила слова». Является ли и сегодня этот инструмент оружием для восприятия искусства? Возможно есть ещё что-то, чем артист может воздействовать на аудиторию?

Наверное, единственная сила слова – утешение. Раньше мне казалось, что (процитирую Гумилева) «слово – это Бог», что словами можно сотрясать миры. Сегодня я поменял свое мнение. Я думаю, что словом нельзя ничего изменить, но словом можно согреть.

Вы много лет находитесь между театром и кино. Что вам ближе — экран, который фиксирует образ раз и навсегда, или сцена, где один и тот же спектакль каждый раз может рождать новые краски, образы, эмоции?

Театр и кино – разные искусства. Больше люблю театр. Может быть из-за его хрупкости. Спектакль живет только в тот момент, когда играется. Он зависит от настроений партнеров, от их отношений, от зрителя, даже от погоды. Нет одного и того же спектакля, даже если он идет много лет. Но мне повезло в кино, я играл мало, но мне выпала роль в картине, которая стала легендарной. Я говорю о фильме «Три мушкетера». Кино снимает на пленку не только сюжет, но и время, я имею в виду хорошее кино. Оно всегда – исторический документ, в этом его дополнительная ценность.  

ПРАВДА и СВОБОДА – одни из ключевых смыслов выживания нашей цивилизации. Как человек, умудрённый жизненным опытом, что для вас – быть свободным, и как сегодня научиться отличать правду от лжи?

Отношение к правде и к свободе тоже меняется с возрастом. Сегодня я понимаю, что моя правда может не совпадать с правдой другого человека. Библейский вопрос: «Что есть истина?» актуален. Мне кажется, что я иногда не знаю ответа на этот вопрос. Подчеркиваю слово «иногда». Свобода? Наверное, это жизнь по своим собственным нравственным законам. Другой свободы я не знаю.

Что бы вы пожелали актёрам, только начинающим свой путь?

Чтобы была работа. Много работы. Ничего, кроме работы.

Ждёте ли вы чего-то от зрителя в мгновения, когда в зале гаснет свет и вы выходите на сцену?

Мне очень нужны эти встречи, я хочу делиться со зрителем тем, что знаю и люблю, и жду от него, что он примет мое послание.

 Чем живёт сегодня Вениамин Смехов?

Мне 85 лет, но я все еще живу надеждой, что (как пел мой близкий друг Юрий Визбор в песне «Одинокий гитарист») «когда-нибудь добро победит в борьбе со злом»

В конце разговора не возникает чувства прошедшего времени. Напротив, появляется тихое уверенное ощущение, что настоящее всё ещё можно удержать, если относиться к нему серьёзно и бережно.

Смехов не зовёт в прошлое и не идеализирует его. Он просто напоминает, что в жизни всегда есть место вниманию, уважению и честному слову. Не громкому, а спокойному, которое остаётся с тобой дольше всего.

Зимой он выйдет на сцену в Израиле. Без лозунгов, без позы. Просто артист, который прожил многое, и человек, которому всё ещё есть что сказать. И, наверное, именно такие встречи сегодня особенно нужны.